Du printemps à l’automne, chaque année des peintres d’horizons très divers (souvent régionaux et parfois en provenance d’autres continents), se succèdent dans la chapelle haute.
Chaque exposition est ponctuée par un vernissage ouvert à tous.
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Vous pouvez également tout simplement consulter cette page une fois le programme de l’année mis à jour.
Des couteaux à peinture, de l’acrylique, parfois des matériaux recyclés, voilà tout ce qui est nécessaire à Marthe Castagneyrol pour travailler. L’environnement est important, l’océan, les bateaux, les vagues, le sel, le vent, les marais pour les oiseaux, et bien sûr… les cabanes des ostréiculteurs pour les couleurs !
La Charente-Maritime lui offre cet environnement privilégié, la lumière, des tonalités et des contrastes incomparables.
Pour DOMI, les sources, fontaines et lavoirs sont un des nombreux thèmes abordés et illustrés par la peinture à l’encre.
La transparence de l’eau, les pigments et les couleurs de l’encre permettent de rendre la magie des paysages de Saintonge.
En traduisant par les formes et couleurs, les émotions d’un moment sur une toile, Isabelle Gassen prolonge le rêve d’instants, de sensations, d’ailleurs, dans un éternel présent.
Vernissage le vendredi 19 avril à partir de 18h.
"Les 3'Arts"
La couleur et le geste s’inscrivent naturellement dans les toiles de Marie-Claire Pajeile pour donner vie à l’humain et à son environnement. Instigatrice du mouvement, ses personnages se déplacent, anonymes et anodins, dans un quotidien simple et contemporain. Les formes à tête humaine, au sexe indifférencié, semblent heureuses de leur état, satisfaites de l’univers qui les entoure. Ce sont des images fortes et colorées qui nous révèlent la permanence de notre condition. Le monde va, évolue. Les hommes sont les mêmes. Leur symbolique varie peu. Ses personnages, toujours en mouvement, sont immédiatement reconnaissables; ils sont hors du temps. Ils passent, regardent, ironiques et distants. Ils sont là pour témoigner.
A ses côtés, la photographe Nathalie Moinet. « Tout part de la lumière, qu’il faut apprivoiser, capter, utiliser, favoriser », dit-elle. Et après les prises de vues, vient le traitement des images. Elle a fait de sa passion, découverte à l’adolescence, le moteur de son existence et ses œuvres, bien souvent en noir et blanc, reflètent une infinie poésie et une "certaine force pour décrire des moments de tension, de souffrance et de tristesse, afin de faire voir des sentiments sombres qui font partie du quotidien".
Pour les accompagner, Alice Angevin et son travail du cuir : des œuvres uniques, de la couleur. De quoi égayer vos journées et vous donner des idées de cadeaux pour la fête des Mères.
Vernissage le mardi 21 mai à partir de 18h.
Nature/Culture, une opposition pratique qui permet de traiter de l'action humaine comme indépendante d'une nature qui serait par essence bonne et bienveillante. Pour Paul Klee comme pour Kasimir Malevitch, la genèse n'est pas achevée, et « la nature se poursuit dans le crâne de l'Homme ». Tout ce que fait l'Homme devient partie intégrante de la Nature. Le choix qui est fait dans les toiles que Claude Husson propose est de parler de la Nature en utilisant l'informatique, en mêlant des signes traditionnellement picturaux et des signes habituellement numériques, rompant de fait avec cette opposition que l'on voudrait évidente entre le digital et l'analogique, entre l'humain et le numérique.
Toutes ces peintures ont comme points de départ des photographies retravaillées par des algorithmes qui en deviennent les véritables acteurs ; elles proposent donc, au-delà des oppositions de codes, des oppositions d'algorithmes où la picturalité classique de l'art moderne du XXème siècle a son mot à dire. Les couleurs sont choisies par allusion à la peinture de la Renaissance italienne qui proposait dans l'opposition Bleu/Rouge la transcription de l'opposition Bien/Mal.
Elles s'organisent dans un parcours qui associe la naissance et la mort, l'eau et le sang, et qui passe par des pommes sous cellophane et la tentation originelle pixelisée, qui s'offre aussi un détour par la Baigneuse de Ingres, et met sur le même plan un travail pictural largement reconnu par l'Histoire et les peintures à la bombe fluo faites à même le sol par des employés municipaux anonymes pour indiquer les canalisations en vue de prochains travaux de terrassement. En chemin, les Waterlilies de Claude Monet et le Boeuf écorché de Rembrandt se mêlent de l'affaire.
Vernissage le samedi 15 juin à partir de 11h.
Influencé par le travail d'impressionnistes comme Cézanne et Monet et de celui des coloristes comme Chagall et Klee, Dominique Marteau se considère comme un naturaliste, ses sujets étant souvent autour de la nature avec des sous-bois, des paysages de mer et de montagne… Il est aussi « coloriste », de ces peintres qui aiment jouer avec les harmonies de couleurs et "matérialiste", donnant toute son importance à la matière.
S'évader dans un songe poétique, romantique, onirique, le temps d'un instant tout simplement : "suspendre le temps" pour rentrer dans un espace aérien de douceur où plane un certain mystère et basculer dans un "au-delà". Chantal Turpain, artiste peintre amateur, n'a appris aucune méthode de peinture, mais elle a plutôt une approche du pinceau reflétant sa sensibilité, son âme poétique et laissant vagabonder parfois son brin de fantaisie ! Regards, chiffres, petits signes, lettres, personnages longilignes... tout cela passe dans le pinceau de Chantal.
"Saisons"
La représentation en peinture est une illusion. Représenter, signifie que celui qui regarde, cherche à décrire ou à reconnaître ce qu'il sait de l'objet perçu. Il ne voit donc qu'à travers ce qu'il a appris. En art, les convenances sont difficilement compatibles avec l'imagination. Il s'agit alors de retrouver, même si cela paraît utopique, le regard neuf de l'enfance, celui qui découvre... Ainsi lorsque notre œil s'arrête sur un objet, un fragment de paysage, la plupart du temps nous ne savons pas exactement pourquoi. C’est souvent pour une raison qui semble inattendue ou dérisoire: une couleur, un effet de lumière ou un jeu d'ombre, un mouvement, une transparence ou une matière... qui, très vite, donne au motif observé une attirance particulière. Se produit alors un basculement troublant de notre perception: ce n'est plus nous qui regardons le paysage, c'est lui qui semble venir vers nous ! Il nous interpelle, s'impose littéralement à notre regard, devient familier. Quelle présence !
La peinture permet à Daniel Mohen, parfois, de capter l'empreinte de cette présence. La surface peinte devient alors le lieu où tout se joue: l'engagement du peintre et son énergie deviennent indispensables. La toile apparaît ainsi comme un nouvel espace, superposant la mémoire du regard, témoin de l'inspiration, à la pratique d'un métier où la couleur et les lignes deviennent les vecteurs de l'expression profonde du peintre.
Son approche s’exerce dans l’univers abstrait ou figuratif et fait appel aux matériaux les plus divers. C’est ainsi que les émaux, le verre, le marbre s’allient au quartz et aux perles.
Elle pratique cet art ancestral à la recherche perpétuelle du mouvement et de la lumière, le travail de coupe est particulièrement privilégié, ainsi que le jeu des contrastes entre les matières et les couleurs.
L’art biomorphique est « un art abstrait où les formes et les masses sont abstraites de préférence des objets animés plutôt que des objets géométriques inertes ». Les formes biomorphiques ou organiques sont reliées aux processus naturels ; elles permettent à l’artiste d’explorer le monde naturel sans le représenter directement. Les œuvres d’art résultantes sont caractérisées par des formes organiques, des figures curvilinéaires et des images abstraites rappelant les formes de vie sous marine et microscopique.
« L’abstraction organique ou biomorphique relève de l’intuition et de l’émotion plutôt que de l’intellect…." Elle est curviligne plutôt que rectiligne, décorative plutôt que structurale et romantique plutôt que classique dans son exaltation du mystique du spontané et de l’irrationnel. Cette approche organique est anti-anthropocentrique car elle met la nature au centre du monde et non pas l’homme, un homme qui ne cherche pas à contrôler la nature et vit en harmonie avec elle. Ces concepts organiques dans l’art visent à promouvoir une nouvelle perception du monde, par delà la pensée logique et rationnelle, dans la sphère de l’inconscient, en recourant à l’empathie, l’intuition, la méditation et l’expérience mystique.
« Je délaisse le sujet au profit dʼune ambiance intimiste. Les grands aplats de couleurs et les assemblages de matières donnent à la nature une tournure abstraite. Le trait ne délimite pas, il suggère et oriente sans imposer. De ma peinture se dégage un côté fragile et éphémère, le papier sʼarrache, se déchire, la couleur se cache et réapparaît. Cʼest lʼinstant qui prime. »
Jean-Luc Vallegeas
Pour la 2ème année consécutive, l'abbaye de Fontdouce reçoit le Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec. Cette association canadienne accueille toutes les formes d’art picturales et médiums, sans sectarisme ni favoritisme, afin de réunir des artistes confirmés aux inspirations inventives; assurant ainsi l’épanouissement et l’intérêt de l'art, tant pour les exposants que pour le grand public. Au fil des ans, le Cercle est devenu un chef de file comme diffuseur, catalyseur et découvreur d’artistes innovateurs et talentueux. Des surprises et beaucoup d'émotion en perspective !
L'édition 2018 avait pour thème "Reflet" et les candidats ont ainsi présenté plus de cinquante photos. Après délibération d'un jury constitué par Stéphane Souchon du studio Delphine Souchon de Saintes et de Dominique Brochard artiste peintre, dix photos ont été récompensées. Un vote du public a également été mis en place et dix photos ont été plébiscitées par le public.
Cette année, le thème est "Architecture et paysage". À vos appareils ! À partir du 30 septembre et jusqu'au 25 octobre, les photos récompensées par le jury et par le public seront exposées dans la chapelle haute.
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Abbaye de Fontdouce
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